ариф дадашев дирижер биография
Ариф дадашев дирижер биография
Ариф Дадашев родился в 1982 году в Москве. Выпускник Московской консерватории, где занимался под руководством профессоров В. В. Суханова (хоровое дирижирование), Л.В. Николаева (оперно-симфоническое дирижирование), Ю.Б. Абдокова (оркестровка). На выпускном экзамене в Большом зале консерватории дирижировал Пятой симфонией Н.И. Пейко. Принимал участие в мастер-классах Марка Минковского, работая с его оркестром «Музыканты Лувра» в Гренобле (Франция, 2011).
Учебу в консерватории успешно совмещал с творческой деятельностью в Государственном театре оперы и балета республики Коми (Сыктывкар), где участвовал в спектаклях текущего репертуара и в международных фестивалях театра.
В 2006 году он был дирижером – стажером Московского театра «Новая опера» имени Е. В. Колобова. С 2009 года занимал пост главного дирижера Рязанского областного музыкального театра, а с 2011 по 2014 годы – дирижера Санкт-Петербургского государственного театра музыкальной комедии. С 2014 года – дирижер Оркестра Центра Павла Слободкина, за время работы с которым подготовил и исполнил более 40 концертных программ.
Сотрудничает с Симфоническим оркестром Псковской филармонии, Камерным оркестром Рязанской филармонии, Губернаторским оркестром Санкт-Петербурга, Симфоническим оркестром Московской консерватории, Симфоническим оркестром Университета Анадолу (Эскешир, Турция), Ансамблем старинной музыки Prattica Terza (Санкт-Петербург), а также с музыкальными и оперными театрами России, среди которых Музыкальный театр республики Карелия, Театр оперы и балета Удмуртской республики, Государственный камерный музыкальный театр «Санкт-Петербург Опера», Санкт-Петербургский государственный театр «Балтийский дом». Он является дирижером «Летних балетных сезонов», которые проходят на сцене Российского академического молодежного театра. С 2015 года сотрудничает с Московским государственным академическим симфоническим оркестром под управлением Павла Когана, МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко и другими театральными и концертно-симфоническими коллективами России.
Ариф Дадашев
Ариф Дадашев родился в 1982 году в Москве. Окончил Московскую государственную консерваторию им. П. И. Чайковского по классу хорового и оперно-симфонического дирижирования. В разные годы был главным дирижером Рязанского областного музыкального театра, Московского камерного оркестра Центра Павла Слободкина, дирижером Санкт-Петербургского театра музыкальной комедии. Основал и возглавлял камерный оркестр Arielle. С 2014-го дирижер Московского театра оперетты, где в качестве музыкального руководителя осуществил ряд постановок. В настоящее время также дирижер Московского академического музыкального театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко.
С 2015 года сотрудничает с Московским государственным академическим симфоническим оркестром под управлением Павла Когана, Московским камерным оркестром Musica Viva, а в 2017-м дебютировал с Российским национальным оркестром, Государственным академическим симфоническим оркестром России им. Е. Ф. Светланова, Академическим симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии и Московским государственным симфоническим оркестром. В этом же году вошел в состав дирижерско-стажерской группы Национального филармонического оркестра России. С 2015-го дирижер «Летних балетных сезонов», проходящих на сцене Российского академического молодежного театра.
В 2019-м по приглашению Татарского академического государственного театра оперы и балета им. М. Джалиля осуществил в рамках Международного оперного фестиваля им. Ф. И. Шаляпина постановку оперы Римского-Корсакова «Царская невеста». В том же году поставил балет Минкуса «Дон Кихот» в Силезской опере (Бытом, Польша) и оперетту Легара «Веселая вдова» в Мазовецком музыкальном театре им. Яна Кепуры (Варшава). Сотрудничал с Симфоническим оркестром Анатолийского университета (Эскишехир, Турция), ансамблем старинной музыки Prattica Terza (Санкт-Петербург) и многими другими коллективами, а также с театрами «Санктъ-Петербургъ Опера» и «Балтийский дом».
Дважды лауреат рязанской региональной премии «Зеркало сцены» (2015, 2016).
Информация на октябрь 2021 года
Ариф Дадашев: “Честность перед самим собой”
28.05.2016 1 комментарий Просмотры: 236
О дирижёре многое говорят не только его регалии и звания, участие в концертных программах с престижными оркестрами, плотный гастрольный график – это показатель востребованности, и, разумеется, любой дирижёр, как любой настоящий артист, стремится к этому. Но, ведь востребованность сейчас, в данный момент времени, не занесёшь в вечность.
Есть некоторые поступки или решения, которые вне зависимости от статуса дирижёра показывают уровень его таланта, понимания музыкального космоса, художественных обобщений, иногда даже смелости. Смелости не эпатажной, показной и вызывающей, но благородной, опирающейся на внутренние убеждения и желание нести прекрасное в мир.
Играть сочинения «нерепертуарного» у нас Карла Нильсена – одного из ярчайших европейских композиторов прошлого столетия, чья симфоническая музыка десятилетиями не звучала в Москве, взять на дипломный экзамен 5-ю симфонию другого гения XX века – Николая Ивановича Пейко, почти забытого крупнейшего отечественного мастера, одного из главных продолжателей русской музыкальной традиции.
За этим стоит нечто куда большее, чем любознательность и научный интерес или стремление выделиться за счёт необычных программ – это твёрдая мировоззренческая позиция, крайне редко встречающаяся в наше космополитно-всеядное время.
Таков молодой российский дирижёр Ариф Дадашев. Он с воодушевлением согласился дать мне интервью, рассказав о своих университетах, жизни, месте музыканта в мире и творческих планах.
— Здравствуйте, Ариф. В начале интервью я задам вам, возможно, весьма стандартный вопрос, но всё же. Скажите, вы с самого детства решили для себя, что дирижирование станет Вашей главной профессией и призванием?
— Здравствуйте, нет, вопрос вполне нормальный. Честно говоря, вначале я хотел выбрать направление карьеры в лингвистическом русле – стать переводчиком с английского языка. Но совершенно случайно получилось так, что мы летели с директором детской музыкальной школы «Восход», ныне покойной Ириной Измаиловной Радченко в одном самолёте с гастролей, и она предложила мне подумать над поступлением на дирижёрско-хоровой факультет Мерзляковского училища.
— А вы учились на инструментальном отделении?
Нет-нет, это была хоровая школа. До этого я всерьез не думал о музыке, но после нашего разговора понял, что в этом действительно есть смысл.
Но желание стать настоящим серьёзным музыкантом возникло, когда учился на втором курсе училища – тогда я попал на гастроли Мариинского театра во главе с Валерием Гергиевым в Большом театре. В программе гастролей было несколько спектаклей, на которых мне посчастливилось побывать – «Хованщина», «Огненный ангел», и, конечно, «Летучий Голандец» Вагнера, которые маэстро провёл блистательно.
И вот тогда, выходя из зала Большого театра, я понял, что хочу быть именно дирижёром-симфонистом.
— А позже, когда вы стали профессиональным дирижёром, не возникало ли у вас желания наладить сотрудничество с Мариинкой? Предложить Гергиеву свою концертную программу?
— Я думаю над этим. Это, конечно же, моя большая мечта – встать за пульт Мариинского театра, но, наверное, всему своё время.
— После вашего юношеского впечатления от постановок Мариинки, вы решили, что свяжете свою жизнь именно с музыкальным театром?
Вообще я всегда тяготел к музыкальному театру, к опере. Но выступления с симфоническими программами, безусловно, этому не мешают. Здесь есть огромная взаимосвязь. Ведь одни и те же композиторы писали как симфоническую музыку, так и обращались к жанру оперы.
— Ваша первая работа – это должность дирижёра в Сыктывкарском театре. Вас пригласили?
— Нет, я искал какую-либо вакансию в театрах, потому что я понял, что надо получать практику, ведь в то время в консерватории не было производственного оркестра. И я, будучи студентом, ещё не закончив оперно-симфонический факультет, уехал в Сыктывкар на свой страх и риск.
Мне было тогда 24 года. Там я прошёл грандиозную школу, особенно по сравнению с тепличными консерваторскими условиями – работа с оркестром, с административным аппаратом, солистами, режиссёрами, главным дирижёром – всесторонняя работа; там я познакомился и с обширным репертуаром – а это важнейший момент в становлении любого музыканта. Я получил огромный опыт, хотя проработал там недолго – всего полтора сезона.
— А до работы в театре вам приходилось дирижировать симфоническим оркестром?
— Да, до работы в Сыктывкаре я стажировался в Новой опере в течение полугода до отъезда. И там мне досталась непростая задача – подготовить к исполнению Вторую симфонию Густава Малера.
— У Новой оперы любовь ко Второй симфонии – на вступлении в должность главного дирижёра её исполнял и Ян Латам Кёниг.
— Тогда ещё дирижировал покойный Эри Клас. Была очень тяжёлая работа, учитывая отсутствие опыта общения с живым оркестром. Оказавшись в Сыктывкаре, я начал получать этот опыт. А продолжил, попав в Рязанский областной музыкальный театр.
Когда я пришёл, это был новый, молодой коллектив, находящийся на перепутье – ушёл директор, возникла неприятная ситуация с реконструкцией здания театра. Помню, что на первую репетицию пришло человек шесть музыкантов.
Совместно с новым директором мы начали заново создавать оркестр, приглашать солистов. Шла ежедневная тяжёлая работа, лишь через два с половиной года закончился ремонт, и мы смогли сделать первые постановки. К сожалению, сейчас я бываю в Рязани нечасто, но сердце не позволяет оставить этот театр, потому что это важная часть моей жизни, в это дело я вложил многолетний труд, считаю его своим ребёнком.
Проработав четыре года в Рязани, я уехал в Санкт-Петербург – в театре Музыкальной комедии нужен был дирижёр на постоянной основе. Это была для меня новая ступень – театр с большой историей, с эпохальными артистами, такими как Зоя Виноградова, пережившая блокаду, и, по сей день выходящая на сцену.
Там я проработал три года и вот, пришло время возвращаться в свой родной город – я приехал в Москву, в Театр Оперетты, а в этом сезоне мне посчастливилось попасть и в Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича – Данченко.
— Многие молодые дирижёры ставят для себя первоочередной задачей скорейший выход к оркестру, зачастую вне зависимости от собственного понимания того, что и как они будут доносить до музыкантов. Уверен, что желание поработать с большим коллективом было и у вас, но, я знаю, что вы ездили на стажировку в Европу к крупнейшему дирижёру Марку Минковски. Вы достаточно долго учились и совершенствовались у одного из ярчайших современных мэтров и понимаете (как редко кто из сегодняшних дирижёров), что перед тем, как начать дирижировать, нужно учиться у настоящих мастеров.
— Да, я стажировался четыре месяца и открою Вам секрет, что я и по сей день учусь и не считаю это зазорным – учиться у великих мастеров. Николаус Арнонкур, Клаудио Аббадо, Роджер Норрингтон, Джон Элиот Гардинер – это те люди и те музыканты, у которых можно учиться всю жизнь.
Мне посчастливилось попасть на стажировку к Марку Минковски и его оркестру Музыканты Лувра (Les Musiciens du Louvre) в Гренобле. Стажировка была открыта для публики, на каждое занятие собирался полный зал. Блистательный оркестр, замечательная атмосфера, очень много работы – для каждого участника мастер-класса выделялось по два часа работы с оркестром, за которые маэстро давал много советов, важных ремарок.
В программе была 5-я симфония Шуберта, 6-я симфония Бетховена и 40-я симфония Моцарта. Это был огромный опыт в общении с одним из наиболее значимых музыкантов нашего времени.
— В консерватории, даже в дирижёрской среде, имена таких музыкантов, как тот же Минковски, Жорди Саваль, Норрингтон, Антонини, у многих вызывают недоумение. Их высокое исполнительское искусство и интерпретация не культивируется в «официальных» академических кругах. А кто вам открыл этот огромный дирижёрский мир, которого вы придерживаетесь?
— Очень большое влияние на моё развитие, осознание и понимание дирижёрской профессии оказал мой педагог – замечательный композитор, профессор Юрий Абдоков. Благодаря его урокам, огромному количеству музыки, которую мне посчастливилось слушать вместе с Юрием Борисовичем, я потихоньку стал узнавать работы тех музыкантов, о которых до этого не слышал.
Каждый урок открывал для меня новые великие произведения. Он помог воспитать во мне чувство музыкального вкуса, за что я бесконечно благодарен ему. Его я считаю одним из наиболее важных в своей жизни и профессии людей.
— Помимо ориентиров в дирижёрской профессии, вы упомянули о великих, но многим не знакомых произведениях. Есть ли у вас любимые произведения (понимаю, что список огромен), которые вы считаете обязательными для исполнения в своей жизни? Что вы должны сыграть?
— Безусловно, есть целый пласт музыки, который сейчас незаслуженно забыт. Скажем так, возможно ещё не пришло то время, когда эта музыка будет регулярно звучать в концертных залах, как не пришло когда-то время для «Страстей по Матфею» Баха.
Вот такого же класса музыка есть и в нашей стране, сравнительно недавно написанная – это, конечно же, симфоническая музыка Бориса Чайковского, которая звучит не так часто, как того заслуживает, это музыка Николая Пейко, Германа Галынина, Николая Мясковского.
Мы родились в России, любим эту страну, питаемся её культурой и должны беречь и развивать наше культурное наследие. Мы должны вновь открывать и ни в коем случае не терять великое русское искусство. Музыка Глинки, Чайковского, Прокофьева, Римского – Корсакова, Лядова, Балакирева, Калиникова – достояние нашей Родины.
Из оперных шедевров, мне бы очень хотелось поставить «Сказание о невидимом граде Китеже» Римского – Корсакова. Считаю её одной из самых ярких и интересных по музыкальному языку русских опер. Мечтаю поставить «Парсифаль» Вагнера, «Чародейку» Чайковского.
Если брать оркестровую музыку – это симфоническая музыка перечисленных редко звучащих русских композиторов, симфонии Карла Нильсена, музыка Леоша Яначека. Из регулярно исполняющихся произведений, которые мне пока не довелось сыграть – Третья симфония Рахманинова, Шестая Чайковского, и, конечно, симфонии Малера.
— Вы согласны с популярным утверждением многих современных дирижёров (или с жизненной данностью), что перед тем как играть сочинения, которые ты хочешь играть, нужно огромное количество времени играть то, что предлагают?
— Да, это так. В моём репертуаре в разных театрах много оперетт. Практически год я провёл в роли дирижёра камерного оркестра Центра Павла Слободкина, с которым мы исполнили более тридцати симфонических программ, в их числе много концертов для детей.
Среди камерных оркестров – это один из лучших коллективов в Москве. Мы играли много весьма интересных, но редко звучащих сочинений – к примеру, «Маленькую сюиту для струнного оркестра» Карла Нильсена, написанную им в юности, одно из первых его сочинений – это замечательная музыка, которая своей яркостью просто поразила и удивила многих музыкантов. И подобной, редко звучащей, но самобытной музыки очень много.
— А как вы думаете, по какой причине в сегодняшней России в концертный репертуар не входят, а зачастую и вызывают необъяснимый дирижёрский снобизм произведения перечисленных отечественных композиторов XX века, по сути нашей классики и таких огромных мастеров, как Яначек, Хиндемит, Мартину, Респиги?
— Ну, во-первых, я уверен, что придёт время, когда эта великая музыка станет популярной, ничуть не меньше, чем симфонии Чайковского. А во-вторых, необходимы музыкальные коллективы, которые будут эту музыку исполнять, пропагандировать, которые будут жить этой музыкой. Ведь действительно, в наш меркантильный век, когда дирижеры и художественные руководители стоят на своеобразном перекрестке – между своими музыкальными идеями и необходимостью привлекать зрителей в концертные залы, зачастую делается ставка на ранее зарекомендовавшие себя знаковые сочинения различных музыкальных эпох.
Но повторюсь, я уверен, что обязательно найдутся те люди, которые вернут в репертуар произведения не менее талантливых композиторов, таких, как Респиги, Мартину, Глазунова и многих других. В Центре Павла Слободкина, кстати, мы подготовили концертную программу, посвящённую 150-летию со дня рождения Глазунова, где звучал Скрипичный концерт, фрагменты из его замечательных балетов «Раймонда» и «Шопениана».
— А ведь вы для себя, в своём творчестве уже поставили задачи возрождения незаслуженно мало играемой великой музыки?
— Скромными силами, безусловно, буду стараться.
— Как раз, переходя на эту тему. Вы недавно создали свой коллектив. Не могли бы подробней о нём рассказать?
— Да, на самом деле идея создания камерного оркестра родилась достаточно давно. Но, видимо, тогда ещё не пришло время. Сейчас, мне кажется, стоит попробовать с этим небольшим ансамблем сыграть тот самый новый репертуар, открывать имена и музыку незаслуженно забытых композиторов. Попробуем, посмотрим, как получится.
Сейчас намечаются выступления с этим коллективом – будем сотрудничать с замечательным концертным агентством «Русконцерт» – здорово, что в России появляются такие агентства. Один из первых проектов с ними – концерт в Конференц-зале Третьяковской галереи 29 июня. Программа будет называться «Русский пейзаж». Мне бы хотелось сочетать там собственно концерт – то есть музыку признанных русских гениев – Глинки, Чайковского, Рахманинова и Прокофьева с пейзажами, написанными современниками этих композиторов.
Будут представлены видео-проекции с работами художников, которые, как мне кажется, в образном смысле по настроению и состоянию будут соответствовать музыкальному наполнению вечера.
— То есть, несмотря на то, что в «Русконцерте» есть чётко намеченная линия на сохранение русского музыкального наследия, всё же программа данного концерта очень демократична и ориентирована на безусловную классику, возможно, пока в расчёте на «неприученную» аудиторию и не включает те редко звучащие сочинения, которые Вам бы хотелось исполнить.
— Да, безусловно. Пока программа такова. Здесь есть ещё один важный момент – коллектив должен быть готов исполнять новую музыку. Мы вместе с моим ансамблем должны пройти определённый путь исполнительского развития.
В данном концерте общий состав исполнителей будет около тридцати человек. Этого состава требует та музыка, которую мы будем играть. Учитывая свойства площадки, да и в целом камерность самой темы пейзажной лирики, мы попробуем наладить контакт с публикой – в ненавязчивой форме указав на те мотивы, которые побудили композитора создать данное сочинение, и попытаться ответить на вопрос, почему эта музыка стала столь популярной. Обозначим некоторые, порой даже бытовые моменты, которые послужили стимулом написания шедевров.
— Я думаю, что в общем-то сама классическая музыка не столь популярна в нашей стране и поэтому подобные просветительские проекты – это замечательная творческая инициатива.
— Мне очень хочется, чтобы этот концерт не был менторским, где человек-музыкант со снобизмом, свысока будет учить людей, показывая своё превосходство в знаниях над ними. Нет, задача совсем не в этом, задача в том, чтобы найти общую атмосферу, чтобы понять, как эта музыка даже сквозь столетия не утратила своей силы воздействия и остаётся такой важной для нас.
— Желаю Вам удачи с Вашим новым оркестром, жду от Вас информации о новых концертах, которые, я уверен, обязательно должны состояться. Особенно хотелось бы услышать от Вас «Музыку для камерного оркестра» Свиридова.
— Большое спасибо, обязательно. В ноябре у меня запланирована программа с замечательным оркестром – Академическим симфоническим оркестром под управлением Павла Когана в зале «Филармония-2». Мы исполним Третий концерт Сергея Рахманинова для фортепиано с оркестром, а во втором отделении, кстати, будет Свиридов – его «Маленький триптих» и музыкальные иллюстрации к повести Пушкина «Метель».
— И, наверное, самый распространённый вопрос. А вообще, какие у вас в данный момент творческие планы? Сейчас помимо вашей работы в Театре Оперетты и Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко, какие еще планируются проекты?
— В мае запланирован концерт с «Ленинградской» симфонией Шостаковича с оркестром Северо-Кавказской филармонии в Кисловодске, постановки одноактных итальянских опер в Санкт – Петербурге.
— Ариф, в конце интервью хочу задать, наверное, главный вопрос. Какого это сейчас в России быть дирижёром, который пытается исполнять ту музыку, которую считает необходимой к исполнению, который хочет не приспосабливаться к конъектуре, времени, не идти на сделки со своей совестью? Ведь в современном мире (а возможно так было всегда), приходится идти на определённый компромисс.
— Сложный вопрос… Здесь есть тонкая грань. У тебя есть определённые сочинения, которые надо исполнять по долгу службы. И конечно, это надо делать максимально профессионально, честно исполняя свои обязанности.
Но, думаю, у каждого дирижёра есть такая музыка, исполнение которой он долго вынашивает, обдумывает. Безусловно, ты всегда ждёшь момента, когда представиться возможность исполнить эти сочинения. Но я ещё раз повторю – всему своё время. Не стоит опережать события, они идут так, как Богу угодно. Твоя задача в том, чтобы искренне относиться к своей профессии и быть честным перед самим собой.
Ариф Дадашев
Ариф Дадашев- оперно-симфонический и хоровой дирижер. [1]
Содержание
Биография
Родился в 1982 году в Москве. Окончил Московскую консерваторию по двум специальностям: хоровое дирижирование (класс профессора В.В. Суханова) и оперно-симфоническое дирижирование (класс профессора Л. В. Николаева).
Деятельность
В 2006 году являлся дирижёром — стажером Московского театра «Новая опера», а в 2011 году участником мастер-класса известного французского дирижёра Марка Минковского и его оркестра «Музыканты Лувра» в городе Гренобль (Франция).
Годы учёбы в консерватории Ариф Дадашев успешно совмещал с творческой деятельностью в Театре оперы и балета республики Коми (Сыктывкар), где участвовал в текущем репертуаре и в международных фестивалях театра.
С 2009 года занимает пост главного дирижёра Рязанского музыкального театра.
Сотрудничал с Симфоническим оркестром Псковской филармонии, Камерным оркестром Рязанской филармонии, Губернаторским оркестром Санкт — Петербурга, Ярославским академическим губернаторским симфоническим оркестром, Симфоническим оркестром Московской консерватории, Симфоническим оркестром университета Анадолу (Эскешир, Турция), Ансамблем старинной музыки «Prattica Terza», Московским камерным оркестром «Musica Viva», Академическим симфоническим оркестром им В. И. Сафонова, Национальным филармоническим оркестром России, Государственным Академическим Симфоническим Оркестром России имени Е. Ф. Светланова, Российским национальным оркестром, Московским академическим симфоническим оркестром под управлением Павла Когана, а также с музыкальными и оперными театрами России, среди которых Музыкальный театр республики Карелия, Театр оперы и балета республики Удмуртия, Камерный музыкальный театр «Санкт — Петербург Опера», Санкт — Петербургский театр «Балтийский дом».
Является дирижёром «Летних балетных сезонов», которые проходят на сцене Российского академического Молодёжного театра. Основатель, художественный руководитель и дирижер Камерного оркестра ARIELLE.
С 2014 года — дирижёр Московского камерного оркестра Центра Павла Слободкина, за время работы с которым подготовил и исполнил более 50 концертных программ.
В настоящее время Ариф Дадашев — главный дирижёр Московского камерного оркестра Центра Павла Слободкина, дирижёр Московского академического музыкального театра им. Станиславского и Немировича — Данченко, дирижёр театра «Московская оперетта».
Ариф Дадашев: Когда я приехал в Рязань в 2009 году, то испытал состояние шока
С дирижёром Арифом Дадашевым мы встретились в фойе музыкального театра в Рязани. Ариф сегодня нарасхват – он дирижирует в театре Станиславского и Немировича-Данченко, в театре «Московская оперетта» и в камерном оркестре Центра Павла Слободкина. География его выступлений расширяется, а популярность растёт. Но при таком графике он не забывает Рязанский музыкальный театр – здесь с 2009 года он трудился на должности главного дирижёра и создавал оркестр практически с нуля.
15 и 16 сентября Арифа Дадашева можно было увидеть за дирижёрским пюпитром в мюзикле И.Зубкова «12 стульев», а впереди много планов, связанных с Рязанью, о которых Ариф, как человек суеверный, пока не распространяется.
-Здравствуйте, Ариф. Все мы родом из детства. Пожалуй, с него и начнем. Расскажите, как Вы оказались в музыкальной школе.
— В музыкальной школе я оказался очень рано. Родители, которые по профессии программисты, развивали меня всесторонне и в музыкальную школу привели в три года, как впрочем, и в художественную. Я и петь то ещё не мог, больше наблюдал за ребятами постарше. Это была московская хоровая школа «Восход». Директор — Ирина Измаиловна Радченко – педагог от Бога, видела в детях, даже очень маленьких, потенциал и в буквальном смысле выпестовала меня.
— Решение стать профессиональным музыкантом было осознанным или случайным?
— В определённом смысле случайным. Я учился в языковой школе и серьёзно задумывался над тем, чтобы стать синхронным переводчиком.
Но однажды хор музыкальной школы был приглашён на гастроли в Германию. И на борту самолёта мы оказались на соседних креслах с вышеупомянутой Ириной Измаиловной. Она высказала мысль о том, что у меня есть способности для продолжения музыкальной карьеры.
Её слова каким-то волшебным образом начали укладываться в моей голове. И за несколько часов полёта я принял судьбоносное решение.
Поступлению в музыкальное училище при консерватории предшествовала очень серьёзная подготовка. В течение года я с педагогами школы день и ночь занимался музыкой, но впоследствии обучение мне давалось легко, за что им огромное спасибо.
— На каком отделении учились в музыкальном училище?
— Я учился на хоровом факультете в училище, и потом в консерватории, а дальше на симфоническом отделении.
— В какой момент возникло решение стать дирижёром музыкального театра?
— Я попал в Москве на гастроли Мариинского театра. И увидел, как работает маэстро Валерий Гергиев. Давали спектакль «Летучий голландец». Я три часа простоял на галёрке и, выйдя из театра, понял, что хочу быть только дирижёром.
— В каком театре Вы начинали работать?
— В Сыктывкарском театре республики Коми. Я испытываю большую благодарность к этому театру. Учась в консерватории, я много занимался творчеством, находился в тепличных условиях, жил в идеальном мире музыки. А здесь за полтора года работы мне пришлось с колёс осваивать много смежных профессий – менеджера, психолога, коммуникатора…. Навыки, необходимые для руководства коллективом, были приобретены именно в Сыктывкаре.
— В 2009 году в вашей жизни случился Рязанский областной музыкальный театр. Какие впечатления произвёл он на Вас?
— Когда я приехал в Рязань, то в оркестре было три человека, а театр напоминал … «театр военных действий» в том смысле, что кругом была разруха. И, конечно, я испытал состояние шока. Даже своей сцены не было. Зато был момент смены руководства. «Уходила» небезызвестная Татьяна Атавина, а «приходила» Марина Чернышова, с которой мы, собственно, и строили я — оркестр, а она весь коллектив. Марина Вячеславовна очень мудро смогла всё организовать. Мы сделали несколько концертных программ, и поехали с выступлениями по региону. Дальше первые спектакли на своей сцене и постепенно, шаг за шагом, мы пришли к звенящим аншлагам в зале. Несмотря на тотальную занятость, я и сегодня продолжаю сотрудничество с театром, чему очень рад.
— Есть ли какое-то место силы в нашем городе, в котором вы черпаете вдохновение?
— Да, есть. Я очень люблю вашу Солотчу. Приезжаю туда в одиночестве. Дышу воздухом, наслаждаюсь природой, слушаю тишину, наполняюсь и черпаю силы для вдохновения.
Константиново — тоже энергетически сильное место.
— В 2019 году ВЫ долгое время работали в Польше. На каком языке общались? Или язык музыки понятен всем?
— Попадая в другие реалии, работать становится ещё интереснее. Языкового барьера я не ощущал. Возрастные польские музыканты ещё помнят русский язык. С новым поколением разговаривал на английском, ну и на польский потом уже потихонечку перешёл…. Понимал, о чём речь.
Я работал в Силезской опере, расположенной в историческом здании, построенном в 1899-1901 годах в маленьком пригороде. Там прекрасный оркестр и солисты, выступающие у нас, в Большом театре. Я поставил балет «Дон Кихот». А потом, неожиданно, получил приглашение из Варшавы, и там ставил «Весёлую вдову» Легара. Они собрали лучших солистов и оркестрантов со всей Польши, был потрясающий состав, балет, филармонический оркестр и взаимное проникновение.
— Ариф, с чем связано, на ваш взгляд, снижение интереса к жанру оперетта?
— Мне кажется в первую очередь с тем, что устаревают пьесы. В оперетте, в отличие от оперы, где есть определённая структура, должна быть интересная, хорошо написанная пьеса. К сожалению, новые авторы ничего прорывного пока не написали. Чтобы этот жанр ожил, разговорные диалоги должны быть интересными.
— Когда рязанская публика сможет увидеть Арифа Дадашева за режиссёрским пюпитром?
— 15 и 16 сентября я дирижирую «12 стульев» а в дальнейшем рязанского зрителя ждёт много интересного. Мы как раз сейчас обсуждаем и планируем новый спектакль, который, надеюсь, в скором времени выпустим. И я ещё не раз порадую рязанскую публику.